活動の節目にロフトのライヴがあった
──勝手にしやがれの初ライヴは'97年7月11日、コルツと共演した新宿ロフトだったんですよね。
武藤：そう、まだ小滝橋通りにあった頃のロフト。ファーストとセカンドのレコ発もロフトでやらせてもらいました。それ以前、100-S〈ハンドレッズ〉がまだシャムと名乗っていた頃にバレットの外丸健児と仲が良かったので、ロフトで一緒にライヴをやったりして。100-Sに名前を変えた後もロフトで自主企画を立ち上げて、マッド・カプセル・マーケッツやウルフルズとかと一緒にライヴをやったんです。それからモッズの「SCAR FACE」レーベルに入って注目を浴びて、ロフトでワンマンをやらせてもらいましたね。
──今年は結成15周年という節目の年なので、また是非市松模様のステージを踏み締めて頂きたいですね。
武藤：是非やりたいです。勝手にしやがれとしてのライヴ活動が小休止する前の最後のライヴもロフトだったんですよ。その辺りから俺のソロ・プロジェクトが始まって、お呼ばれすれば勝手にしやがれもライヴをやるという感じの頃で。確か2009年の2月だったと思うんですけど、SIONさんと2マンをやらせてもらって。それを最後にバンドのライヴ・スケジュールを無理に入れないようにして、ソロに専念することにしたんですよね。だから節目節目にロフトにはお世話になっているんですよ。
──勝手にしやがれは年明け早々に新作とインディーズ・ベストを同時リリースするという大盤振る舞いですが、結成15周年となる今年は例年に増して活動的な1年になりそうですか。
武藤：いろいろと考えてはいますけど、まだ予定段階ですね。せっかくの結成15周年なので、面白いことをいろいろ仕掛けていきたいです。
──10周年の時に年間を通じて敢行されたマンスリー対バン企画『LET'S GET LOST』のようなイヴェントもあったり？
武藤：まぁ、まだ何ができるか分からないし、今は考えている途中ということで。もちろん盛りだくさんで行きたいと思っていますよ。
──今回『メロディ』を制作する上で、近年のソロ活動や「武藤昭平 with ウエノコウジ」での経験がフィードバックするようなことはありましたか。
武藤：ありましたね。勝手にしやがれだけを聴いていると意表を突くようなタイプの曲もあると感じるかもしれませんけど、自分のやってきたソロや武藤・ウエノを聴いてもらえれば、曲の作り方がその流れの延長にあることが分かると思います。
──部外活動を経たこともあるのか、武藤さんの歌に説得力が格段と増したように感じました。
武藤：歌モノとインストは半々なので、従来の比重と変わらないんですけどね。でも、ソロとか武藤・ウエノでヴォーカリストとしての側面をフィーチャーしてきたので、歌のインパクトや説得力はだいぶ増したと自分でも思います。
──特に「星座と涙」のような壮大なバラードに歌の円熟味が顕著に表れている気がします。インディーズ・ベストと対比して聴くと余計にそう感じるのかもしれませんが。
武藤：歌モノの存在感を際立たせる意識は、初期の頃とは全然違いますよね。今回出したベストは初期のほうなので、ヴォーカリストとしての在り方を確立する前の段階なんですよ。最初の頃はヴォーカリストがいない状態で活動していて、歌が欲しい曲はとりあえず俺が唄っておこうかなっていうくらいの感じだったんです（笑）。
──そんななし崩し的な感じだったとは（笑）。
武藤：そのうちいいヴォーカリストが見つかればいいんじゃないかっていう（笑）。それでファーストを出したんですけど、ヴォーカリストとの出会いを求めてばかりいてもしょうがないから、セカンドを作る時に“ゲスト・ヴォーカルを入れるよりも自分で唄ったほうがいいな”と思って。その時に“もっとこういう表現で唄ったほうがより映えるんじゃないか？”といろいろと試すようになって、アルバムを作るたびにそういうことを毎回試してヴォーカル力を鍛えてきた感じですね。
──でも、武藤さんの滋味に富んだしわがれ声はヴォーカリストとして大きなアドヴァンテージだったと思いますけど。
武藤：頑張って声を変えましたからね。今回のベストのマスタリングをしている時、ファーストに入っている歌モノの曲を聴いて、“これ、誰が唄ってるんだ？”って思ったくらいに全然違いましたから（笑）。
今までになかった音を出す衝撃こそがロック
──インディーズ・ベストの選曲の基準みたいなものは？
武藤：基本は未だにライヴでよくやる曲ですね。あと、オリジナル・アルバムには入っていないレアものをサーヴィス的に入れました。
──個人的にはモダンドールズのカヴァー「インスタント・ラヴ」が収録されているのが嬉しかったんですが、モダンドールズにしろマイルス・デイヴィスにしろ、「奴隷」のような性急かつアッパーなナンバーにしろ、「夢をあきらめないで」や「祈りのオリオン」のようなラウンジ調の曲にしろ、「ダーティー・ワーク・ブルーズ」のようなワーク・ソングにしろ、あらゆる曲調を旺盛に咀嚼しながら勝手にしやがれだけにしか体現し得ない音楽を確立しているのが改めて凄いなと思って。
武藤：でっかく言えば、結局音楽が好きなんだっていう、ただそれだけのことなんですよ。一言に音楽と言ってもいろんなジャンルの音楽があるし、俺はジャズも好きだしパンクも好きだし、時にはクラシックに癒されることもある。歌モノでもトム・ウェイツみたいな感じが好きだったり、ARBの一連のワーク・ソングが好きだったりもする。自分の感性が揺さぶられたり感動するような音楽のエッセンスを自分のフィルターを通して形にしようとすれば、自ずと勝手にしやがれみたいな音楽になるんですよ。
──結成当初のデモ音源「ドンド・レット・ミー・ダウン」と「404〜ソルト・ピーナッツ」が収録されているのも嬉しいですね。
武藤：たまたま出てきた音源なんですよ。結成当時に資料用にデモを録って、ライヴ会場で500円のカセットテープとして売っていたこともあったんです。デモ音源はまだ他にもあるんですけど、とりあえずサーヴィスとして2曲くらい入れておこうと思って。
──15年前だと、ソフトの形態はまだカセットテープだったんですね（笑）。
武藤：まだADATを使ったり、マルチを回していたような時代ですから（笑）。パンチ・イン／アウトは至難の業だったし（笑）。
──勝手にしやがれは結成当初から洗練された音楽性だったから稚拙さは感じられませんけど、ご自身としては今聴き返して未熟さみたいなものは感じますか。
武藤：青さはありますよね。でも、その時々で自分たちのできることを必死にやってきたから別に恥ずかしくはないです。昔の曲でも今の表現力で演奏するから全然違う感じになるかもしれないけど、曲作りやアレンジは昔から一生懸命取り組んでいたし、どれも自慢できるものばかりです。今聴いても古いと思わないですし。
──古さが微塵も感じられないのは、流行り廃りを追い掛けることなく真摯に音楽性を追求してきたからこそでしょうね。
武藤：多分、当時から精神年齢があまり変わっていないのかもしれない（笑）。同世代の連中と比べたらちょっと大人びた音楽が好きだったのかもしれませんが、だからと言って本物のジャズをやりたかったわけじゃないし、未だにパンク・バンドでドラムを叩けと言われれば楽しんで叩くだろうし、そういう感覚が今もごっちゃになって自分の中にあるんです。結成当時からファーストを作った頃というのは、ドラムをビシバシ聴かせたジャジーな音楽ってまだ日本になかったんですよ。その辺は意地でやっておいて良かったと思いますね。ブライアン・セッツァー・オーケストラが売れて以降、アメリカのネオスウィングの連中を聴いたら、ジャズなのにそんなに本格的じゃなくてロックの要素もちゃんとあって、日本のバンドでそういうことをやっているのがいなかったからやってみようと思ったんです。
──100-Sとはまた異なる、自分が心地好く感じる音楽を形にしてみたかったと？
武藤：そうですね。結成当時はバンドマンを名乗るとちょっとださいくらいにバンドが溢れていて、DJをやっているヤツのほうが格好いいんじゃないかっていう時代でしたけど、俺は堂々と「バンドやってます」と言えるプレイヤーでいたかった。100-Sをやっていた頃は、ロックの単純に音がでかいことの説得力や自然に身体が動いたり胸が熱くなる感じを形にしていましたけど、今まで日本になかった音を出した衝撃こそがロックなんじゃないかと思うようになって。勝手にしやがれは「コードはジャズなのに、こんなロック・バンドは他にいないよね!?」って言われるようになるのが当初一番の目標だったんですよ。ドラムはドカスカ叩いて、ギターはいないけどギター・バンドに決して負けないくらいの迫力があるバンドにしたかった。当時はスカ・パンクが流行っていて、ホーン・セクションのあるバンドがいっぱいいたんですけど、それに対しても反骨精神を出したかったんです。曲調はジャズでもパンクな感じを出したかったし、何でも裏打ちにしてスカをやるようなバンドには抵抗があった。日本人は勉強しない人が多いから、「珍しいスカをやってますね」とか「大人のスカですね」っていつも言われていたんですよ。スカのリズムの曲はひとつもなかったのに（笑）。
“メロディ”という言葉からにじみ出る温かさ
──今回のインディーズ・ベストが『シルバー』を題されているのを察するに、メジャー・リリース期のベスト『ゴールド』もいずれ発表されるんですよね？
武藤：計画中ですね。最初はインディーズとメジャーを合わせた2枚組にしようと考えていたんですけど、敢えて2枚に分けることにしたんですよ。
──ちなみに、武藤さんはベスト・アルバムはお好きですか？
武藤：嫌いじゃないですよ。19の頃にローリング・ストーンズを知らなきゃ話にならないということで聴くことにしたんですけど、アルバムの枚数がありすぎて何から聴いていいのか分からなかったので、『MADE IN THE SHADE』という'75年に出たベスト・アルバムをまず買ったんです。とりあえずそのアルバムから入って、好きな曲が入っているオリジナル・アルバムを少しずつ揃えていった。あと、『LET'S SPEND THE NIGHT TOGETHER』のビデオを何度も見て、“この格好いい曲はどのアルバムに入っているんだ？”と掘り下げて聴きましたね。そんなふうにベスト・アルバムはいい窓口になってくれる。俺たちももうかなりアルバムの枚数があるから、窓口となるベスト・アルバムを作るのは有効だなと思って。ただ、単純に時系列に並べただけのベスト・アルバムはあまり好きじゃないんですよ。“この曲が1曲目だったら、何曲目にこれが来て…”みたいな構成はちゃんと考えたい。『MADE IN THE SHADE』もそんな内容だったし、ロッド・スチュワートの『GREATEST HITS』もそうでした。まるでオリジナル・アルバムかのようにいい並びだったので、そういうベスト・アルバムを作るならアリだなと。
──「ラスト・タイム・トゥゲザー」を録り直したのはどんな理由で？
武藤：オリジナルは'00年に出したウチら企画のオムニバス（『7 O'CLOCK JUMP』）に入っているんですけど、その時はちょっとエンジニアさんとウマが合わなくて、音の作り方が腑に落ちない部分があったんですよ。でも、勝手にしやがれとして最初に出した自信のある曲だし、新しく録って入れても違和感のない感じになるだろうなと思って。
──新作のタイトルが『メロディ』と名付けられているのも潔いなと思いまして。15周年を迎えるにあたって、音楽の核であるメロディの本質に立ち返ろうという意識もあったんですか。
武藤：勝手にしやがれって、ヴォーカルものにしろインストにしろ、複雑なコードを付けようが何をしようが耳に入るメロディをずっと大切にしてきたバンドだと思うんですよ。今回は“メロディ”という言葉からにじみ出る温かさみたいなものが作品全体に通ずると思ったし、「メロディ・ママ」という新たな自信作も生み出せたので『メロディ』と命名したんです。
──「メロディ・ママ」と「星座と涙」はアルバムの根幹を成す叙情的な大作ですし、爽快感溢れる「罠のような午後」、ラテン・フレーヴァーの「モカンボ」や「ヌーヴェル・バンディット」、無国籍風情のレトロ・チューン「ロマンス・ガール」、穏やかな風が吹くようなインストの「五月の美術館」、超高速4ビートが炸裂するジャズ・パンク・ナンバー「ディスジャジー」等々、まるで万華鏡のように多彩な楽曲がずらり12曲並んでいますが、これだけ振り幅の大きい楽曲の数々を飽きさせることなく聴かせる構成の妙が素晴らしいですね。
武藤：ソロの時はもっとてんでばらばらな楽曲が揃っていて、いろんなゲストも呼んで、それを何とか1枚のアルバムにまとめた経験がありますからね。今回は、基本的に7人だけで何ができるのかを試せば、全然違うタイプの曲でも勝手にしやがれブランドになるから大丈夫じゃないかと踏んでいたんです。だから突拍子もないようなこともやってみようと思って。
──「モカンボ」みたいに陽気なラテン・パンクは今までありそうでなかった曲ですよね。
武藤：メジャー・コードのラテンは意外とやってなかったですね。だって、真正面からそんな曲をやったら脳天気みたいじゃないですか（笑）。勝手にしやがれなら、もっとクールだったりダーティーだったりスリリングだったりにしたほうがいいと思っていたんですけど、もともとマノ・ネグラとかマヌ・チャオみたいなニュアンスは大好きだし、メジャー・キーによるラテン・ナンバーはやったことがなかったからトライしてみようと思ったんです。勝手にしやがれは究極のミクスチャー・バンドだと思っているし、“マノ・ネグラがこういうタイプの曲をやってたな”っていうのがヒントになれば、ウチでもできるかなと思って。まぁ、たまには脳天気にやろうと思ったものの、そこまで脳天気な感じにはなりませんでしたけどね（笑）。
コンセプトは“聴く人を温かい気持ちにさせたい”
──15年ともなれば、曲作りやアレンジにおけるメンバーとの意見交換は阿吽の呼吸ですよね。
武藤：そうですね。前は曲自体をもう少しコンパクトにしたかったので、1曲の中で全員がソロを取るようなことはなかったんです。テナーがソロを取った後にピアノ・ソロにして、それからホーン・セクションが入るみたいな感じにしていたんですけど、最近は1人1人をクローズアップしてもいいんじゃないかと思って。よっぽどの狙いがない限りは、管4人ともソロを取ってもらうのもいいと考えています。やっぱり、安心できますよね。“ほっといていいや”って言うか。最初の頃は細かいアレンジまで俺が全部指示していたんですよ。でも最近は、テーマとコード進行さえ渡しておけば大丈夫なんですよね。「だいたいこんな起伏で行くから」ってドラムを叩けば、「ああ、ここは上がっていきたいんだね」と抑揚を分かってくれるし、「じゃあ管はこんなふうに入ろうか」という意見も出てきて、「じゃあお任せで」みたいな感じにできますから。
──武藤さんの他にも、「ジェイムズ・キャッツ・ウォーキン」は田浦健さん、「ディスジャジー」は飯島誓さん、「ヌーヴェル・バンディット」は田中和さんがそれぞれ作曲していますね。
武藤：せっかく曲があるならやってみたいですからね。もちろんボツになってしまう曲もあるし、自分で作った曲でもボツにすることがあります。でも、選択肢が増えれば増えるほどマジックは起きるものなんですよ。最初の頃の勝手にしやがれは基本的に俺が全部コンセプトを考えて、オリジナル曲もカヴァーも全部俺の頭の中で組み立てていたんですけど、それだとどうしても予想通りな感じにしかできないんですよね。そこで奇跡を起こすためにも、'03年に出した3枚目の『デカダンス・ピエロ』ではプレイヤーに緊張感を持たせて何が出てくるかなと思って一発録りをやってみたんです。ミスをしても直しは一切ナシで。実際、いい意味で緊張感の張り詰めたアルバムになりましたけど、そういうことを毎回やるのも違うなと。演奏の正確さを求めているわけじゃないし、その録り方には合わない曲もありますからね。となると、自分の頭の中だけじゃなくて、メンバーが持ってきた曲で自分には作れない面白い曲をやってみようと思って。「メロディはいいんだけど、そのアレンジでやるといまいちだから別のリズムでやってみない？」とかアイディアを変えることによって俺の頭になかったものが違う形になって、こんなタイプの曲も勝手にしやがれではアリかな、なんて思ったりもする。
──本作にはそんなふうに“化けた曲”もあるんですか。
武藤：今回で言えば「ジェイムズ・キャッツ・ウォーキン」ですね。田浦が持ってきたメロディで、彼が用意してきたアレンジが今ひとつだったんです。それで試行錯誤してオルガンを入れたりリズムを変えたりしたら、かなりジェイムス・テイラー・カルテットみたいな感じになって凄く良くなったんですよ。
──「心配事なんか欲しくない」「絶望の言葉は欲しくない」と唄われる「罠のような午後」はありふれた日常の幸せがテーマですが、やはり3.11の震災を経て生まれた曲なんでしょうか。
武藤：やっぱり影響はありますね。曲の原型はもっと前からあって、とりあえずの歌詞もあったんですけど、震災が起こって以降に書き換えたんです。あの震災があって、今回のアルバムのコンセプトががっしりと固まったんですよ。具体的に原発に対して怒ることや辛い思いをしている人たちを励ますこととか、いろんな課題があの震災の直後に出てきましたけど、勝手にしやがれのやり方としては無理に触れることじゃないと思ったんですよ。俺たちの音楽を聴いてくれる人たちをどんな気分にさせたいかと言えば、ほっとさせたかった。「もう心配しなくていいよ、怖いこともあるけど大丈夫だよ」ってね。ほっとさせたい、温かい気持ちにさせたいというのが今回のコンセプトで、ちょっとしたアレンジや歌詞の言葉遣いをもう一度詰め直したんです。それは震災の影響を受けたからこそなんですよね。
──なるほど。それにしても、1曲目から勝手にしやがれらしからぬ爽快な楽曲で始まるというのも大胆な構成ですよね（笑）。
武藤：「罠のような午後」はもともと変化球みたいな曲だとは思っていたんですけど、それを最初に据えるとは自分でもよくひらめいたなと思いますよ（笑）。
シンプルなメロディはどうやって継承されていくのか？
──資料によると、今回は勝手にしやがれ流のアシッド・ジャズ・アルバムを意識したとのことですが。
武藤：アシッド・ジャズってけっこう何でもアリのジャンルじゃないですか。ジャズ・ファンクやソウル・ジャズの影響を受けていながらもけっこうロックだし。アシッド・ジャズに至る前、'80年代後半に流行ったアシッド・ジャズの原型になるようなロンドンのジャズ・ブームなんかも今回は意識してみたんですよ。ギル・エヴァンスが音楽監督を務めた『ABSOLUTE BEGINNERS』のサントラだったり、スタイル・カウンシルだったり、ジョー・ジャクソンが『JUMPIN' JIVE』というアルバムを作っていた時代のニュアンスですね。そう言えば自分もジェイムス・テイラー・カルテットが好きだったなぁとか思い出したりして。
──エディ・ピラーとジャイルス・ピーターソンによって'87年に立ち上げられたアシッド・ジャズ・レコーズもありましたね。
武藤：アシッド・ジャズ・レコーズは単なるジャズばかりじゃなくて、いろんな音楽的要素を持ったバンドやミュージシャンがいて面白かったですよね。ポール・ウェラーも高く評価していたマザー・アースなんて凄くヘヴィなロックをやっていたけど、とてもセンスが良かった。そういったアシッド・ジャズの要素を勝手にしやがれとして少しずつ消化しながら体現してみたかったんですよ。
──アシッド・ジャズ・レコーズのごった煮の如きミクスチャー感覚はまさに勝手にしやがれ的ですよね。
武藤：そう思います。まぁ、ジェイムス・テイラー・カルテットっぽいと言いながら、コーデュロイみたいだと言ってもらってもいいんですけど（笑）。
──洋の東西も今昔も問わず、ありとあらゆる音楽を地層的に聴いている人にとって『メロディ』はいろんな発見のあるアルバムだと言えそうですね。
武藤：昔から特定のジャンルに固執するつもりはないし、雑食で好きな音楽をやっちゃえばいいと思っているんです。リーダーだから責任は俺が取る、みたいな感じで（笑）。選曲をしていく段階でも、多少はメンバーの意見は聞くけれども最終的に決定するのは俺にやらせてもらって、ちょっと意表を突いた曲をその中に入れても「この並びなら違和感ないでしょ？」っていうのをやりたいんですよ。
──物憂げな曲調の「メロディ・ママ」は物語性のある歌詞で、今後ライヴでその存在感を増していくようなナンバーですよね。
武藤：あの歌詞もよく出てきたなと思って。テーマは“メロディの継承”なんですよ。唄い継がれていくヒット・ソングではなく、音楽は本来何もないところから自然に生まれて、楽器とかが発明されて徐々に継承されていくという凄くシンプルなものなんじゃないかと。子供の頃におふくろがよく唄ってくれた子守歌って、メロディは覚えているけどコードなんて知らないですよね。でも何だか癒されるっていう。そういうシンプルなメロディをどうやって継承していくんだろう？ っていうのを大きなテーマとして、勝手にしやがれ風に伝えたかった。
──それだけ奥深いテーマを、女優になった女の子の視点で描いているのがとてもスマートだなと思って。
武藤：小さい頃に女優に憧れていたヒロインが女優になるという物語がいろんなものを喚起させてくれればいいなと。その物語から想像を膨らませてくれたら曲の世界観に深みが増して、立体感が出る。歌詞にすると文字要素が絶対に少なくなるから、言いたいことを上手くまとめないといけないんですけど、「メロディ・ママ」は言いたいことが多すぎて長くなってしまったんですよ（笑）。何せ6分はある大作ですから。たとえば映画やドラマを見終わった時に、特に説明はなかったけれども何かしらのテーマが物語に込められていたんだなと理解することがあるじゃないですか。そういったことを音楽だけでもできないかな？ と思って作ったんですよね。
分かりやすい言葉遣いと独特の造語センス
──「メロディ・ママ」に限らず、どの曲も短編映画のような映像が頭に浮かんできますよね。どれも映像喚起力の高い楽曲と言うか。
武藤：そう言ってもらえると嬉しいですね。昔に比べて日本語を使う比率が増えてきたんですよ。ソロで歌詞を書く時に「もっと分かりやすい言葉はないかな？」と常に気を留めていたんです。なるべく日本語を使うことにして、ちょっと英語を使って異国を思わせるようにもするけど、それはあくまで必要最小限に留めてみたり。どの街で聴いても、どんな情景で聴いても、どんな心境で聴いても、誰にでも当てはまるようなのりしろをいっぱい作った状態で分かりやすく仕上げたいんです。
──歌詞は文章と違って音の情報もあるわけですし、必要以上に言葉を注ぎ込むのは過剰ですよね。
武藤：そうですね。あと、造語のほうがイメージが伝わりやすいケースもあるんです。たとえば「デッド・ローラー」は死んだ人が転がっていると取られるかもしれないけど、「死んだロックンローラー」を意味する造語なんですよ。
──「デッド・ローラー」に出てくる「ヴィンセント・ア・ルーラ」という造語もいいですよね。ジーン・ヴィンセントの「ビー・バップ・ア・ルーラ」を略して「ヴィンセント・ア・ルーラ」。50'sのロックンロールのイメージがサウンドと相俟ってよく伝わってきます。
武藤：何となく伝わりますよね。たまにそういう造語を考えるのが好きなんですよ。会話をしていると、ふと勝手な言葉が作られたりするじゃないですか。そんな感覚で、何となく分かる言葉遊びを楽しんでいますね。ただ、それをいちいち説明するとくどくなるので、一切説明せずにドン！と言葉を置いて“これはどういう意味なんだろう？”と聴く人に思わせるのが好きなんです。
──考えてみれば、「ジェイムズ・キャッツ・ウォーキン」というのも不思議なタイトルですよね。
武藤：それは仮タイトルが「ジェイムズ」だったんですよ。ジェイムズ・ボンドの「ジェイムズ」。曲を作ってきた田浦に「タイトルは『ジェイムズ』で行くの？」って訊いたら「ちょっと考えてきます」と。そうしたら「アーシー・キャッツ・ウォーキン」というタイトルを出してきたんですけど、それよりも「ジェイムズ」のほうがインパクトがあった。そこで「ジェイムズ・キャッツ」という造語をジェイムズ・ボンドのボンド・ガールに見立てたんです。「ジェイムズ」にすればジェイムス・テイラー・カルテットと関連づけることもできるし。
──感覚的なことではあるけど、それ相応の意味や背景もちゃんとあるんですね。
武藤：単語の意味だけじゃなくて、響きでイメージが膨らむじゃないですか。そういうのも引っくるめて俺は言葉選びをするんです。他のメンバーもその辺は気をつけていると思いますよ。
──響きということで言えば、「Ch 541」も“ファイヴ・フォー・ワン”であることは音の響きとして必然なんでしょうか。
武藤：それもあるし、“ファイヴ・フォー・ワン”はロックンロールのコード進行なんです。5、4、1と降りてくる。それが2、5、1で降りてくるとだいたいジャズかブルースになるんです。「Ch 541」は曲調がシンプルなロックンロールだったから“ファイヴ・フォー・ワン”にしたんですね。「ロックンロールは楽しいよ、チャンネルを“541”に合わせればハッピーになれるよ」っていう。
──そんなふうに、音楽に精通していればニヤリとできるトラップが随所に仕掛けられていますよね。センスがないとできない芸当だと思います。
武藤：ちょっと勉強さえすれば、「あの勝手にしやがれのタイトルにはこういう意味があったのか！」っていう発見があると思うし、そういうのって純粋に面白いじゃないですか。海外のバンドの音楽にもそういうのがありますよね。若い頃には気がつかなかったけど、年齢を重ねるごとにいろんな知識を身につけて、「ああ、そういうことを唄っていたのか」と今になって理解できることがある。そういうのがやっぱり楽しいから、調べればその深みが分かるようなことを必ずどこかに残すようにしているんです。
同じ情景を7人が共有すれば絶対にブレない
──本作の中で唯一のカヴァー曲である「フェラーリをブッ飛ばせ」は、エレクトロ・ポップの鬼才として知られるトーマス・ドルビーがオリジナルという意外にも程がある出典ですけど（笑）。
武藤：もともと曲のほうを先に知っていたんですよね。凄く格好いい曲だなと思っていて、後からそれがトーマス・ドルビーの曲だと教えられて驚いたくらいなんですよ。これも80年代後半から90年代にかけてのアシッド・ジャズのニュアンスを出したいという裏テーマからすると、カヴァーを入れるならこの曲しかないだろうと思って。アレンジは分かりやすいロカビリー・ジャズに仕上げたんですけど、そこはさすがトーマス・ドルビーだから、ちょっとジャズ・コードが入って複雑になっているんですよ。だからロカビリーをやっている人がこれをコピーしようと思っても、ちょっと難しいでしょうね。
──THE ROMANTIC SIXの石井亮介さんのギターがとてもいい音色をしていて、曲を効果的に盛り立てていますよね。
武藤：よく考えてきてくれたなと思って。基本的にはベースとユニゾンなんですけど、途中に入るノイズだけは録り直したんですよ。そこだけはラウンジ・リザーズのジョン・ゾーンみたいな感じでノイズを入れてもらったんです（笑）。エンジニアには「そこはびっくりするくらいに音を上げていいから」って言って（笑）。
──アルバムの終幕を飾るピアノ・バラードの「星座と涙」は歌を含めて全パートが一発録りだったそうですが、こういうのは15年選手ならではの離れ業と言えますよね。
武藤：「星座と涙」は最初からドラムレスで行くと決めていたんです。過去にドラムが全く入っていない部分をレコーディングした時、ドンカマに合わせてクリックを聴きながら演奏してみたこともあったんですよ。でも、リズムがあまりに正確すぎて、ドンカマに合わせてやっているのがあからさまになってしまって。テンポもゆっくりだし、ドンカマを使うとメロディの起伏や曲の表情が全然出ない結果を知っていたので、俺の指揮に合わせて伸び縮みがあるようにしたほうがいいと思ったんですね。自分がリズムを意識してしっかりと唄えばぴったりハマってくるはずだと思っていたし、そのニュアンスを汲んで演奏してもらえば曲の表情が豊かになるだろうと。極端な話、クラシックの音楽をクリック聴きながら演奏させたらとてつもなく面白くないと思うんですよ。それと同じですね。
──今の時代、プロ・ツールスさえ使えば後からいくらでも修正できますけど、それは画一的になって没個性に繋がる側面でもありますよね。便利な時代ならではの大変さがあると言いますか。
武藤：演奏をしているのは人間だし、自然な感情の起伏を音に込めたいですよね。ウチの場合は7人もいて、1人1人がいろんな思いを持って曲に向かう。その表情をしっかりと見せたい。あまりに違う方向を向いているヤツには「そっちじゃない、こっちの方向だよ」と指針を出して、ひとつの方向に7人分の気持ちを向かわせる。それが独特なノリやグルーヴに繋がるんです。
──こうして話を伺っていると、勝手にしやがれは創作に向かう意欲もアイディアも尽きることなく溢れんばかりで、15周年を迎えてもなおフルスロットルのまま突っ走れそうですね。
武藤：この『メロディ』というアルバムを作り上げることによって、さらに方向性を広げられると思ったんですよ。“ああ、こんなこともできるんだ”っていうね。実際、そうなったと思います。やってみたい音楽的なジャンルもまだまだいっぱいあるし、たとえば東欧のバルカン・ジプシーとかをやってみるのも面白い。ロックンロールもジャズも最初は至ってシンプルだったはずですけど、いろんな人たちが集まってミクスチャーになっていくという進化の繰り返しだと思うんですよ。『メロディ』に入っている曲には意表を突いたものもあるけれど、勝手にしやがれが今さらどんな音楽的要素を採り入れても納得してもらえるものができる自負がある。やっぱり、ソロがとても勉強になりましたよね。ゴリゴリのロックンロールもあればラテンもあったし、武藤・ウエノのようなジプシー・キングスばりのこともやったし、FPMの田中（知之）さんに打ち込みをやってもらったこともあった。そうやってありとあらゆるジャンルを縦横無尽にやってみて思ったのは、勝手にしやがれが一番何でもやりやすいということ。常に創作の原点としてあるのは、軽くギターを爪弾いただけでも見えてくる情景なんです。その情景を7人でしっかり共有さえしていれば、音楽的にいろいろと手を出したとしても絶対にブレないはず。思い描く情景の先にあるものを俺はまだまだ見たいし、勝手にしやがれはまだまだこれからですよ。
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── そしてHEREとして生まれ変わりましたが、インビシが解散してHEREの始動までの2年間は、どんな活動をされていたんですか？
